지금의 시대, '극장의 모습'이란?
- 먼저, 다시 한 번 여쭤보겠는데요, 씨어터 워크숍에게 '극장'이란 무엇인가요?
제가 대학생이었을 때 소극장 연극이 유행이었어요. 어떤 의미에서 극장을 버리는, 극장이 아닌 텐트나 창고 등을 표현의 장으로 선택한 극단도 있었고, 대학원 석사 과정에서는 그런 비극장 공간이 얼마나 극적인지 연구했습니다. 그 매력을 추구하다 보면 중요한 것은 극장이나 홀의 크기나 기능이 아닌 것 같아요. 모든 요소를 빼고 나면 남는 것은 연기자와 관객뿐이고, 그 둘이 하나가 되어 만들어내는 체험의 장이 바로 '극장'인 것입니다. 열기와 감동이 만들어지는 비일상적인 공간, 그런 '극장'을 만들고 싶다는 생각을 계속 해왔습니다.
각각의 극장이나 이벤트 공간에는 개성이라고 할까요, 독특한 '얼굴'이 있잖아요. 공간의 크기나 환경이 바뀌는 것만으로도 공연하는 사람들이 표현하는 것도 달라집니다. 그런 연기자나 아티스트의 그 공간이기 때문에 생기는 매력을 끌어내는 장치와 같은 역할이 아닐까 생각합니다.
학창 시절, 공원에서 공연되는 3초 정도의 연극이나 상가 건너편에서 어린이들을 데리고 달려오는 하마(강아지)가 등장하는 퍼포먼스를 보면서 가슴이 두근거렸던 기억이 있습니다. 누군가가 누군가를 향해 표현하려고 하는 한, 그것은 연기자와 관객이 함께 만들어내는 '연극'이라고 할 수 있을지도 모르겠습니다.
바로 연극은 연기자와 관객의 상호 작용하는 관계에서 성립하는 것이라고 생각합니다. 공연 횟수가 늘어날 때마다 작품은 날마다 진화하는, 말하자면 라이브 공연이라고 할 수 있습니다. 그런 의미에서 거리 피아노를 연주하는 장소도 일종의 '콘서트홀'이라고 해도 좋을 것 같아요.
- 확실히 음악과 춤, 퍼포먼스를 접할 수 있는 공간이 도시 곳곳에서 늘어나고 있는 것 같습니다.
극장이나 그런 이벤트 공간의 역할에도 변화가 있을까요?
새로운 역할을 부여하고 커뮤니티의 중심이 되게 하려는 움직임이 있네요. 본래의 홀 기능 부분을 축소하고, 회의실이나 연습실 등 일상적으로 개방되는 공간의 비율을 늘리기도 하고요.
한동안 도서관이 카페를 설치하거나 이벤트를 진행하면서 아늑한 '제3의 장소'로 각광을 받았는데요. 이를 본받아 극장도 열린 광장으로, 가볍게 찾아온 사람들이 자유롭게 이용할 수 있는 공간으로 만들겠다는 것이 문화청의 방침입니다.
저는 광장이 아니라 '들판'을 지향하고 싶습니다. 광장은 '이렇게 사용해야 한다'는 정돈된 규칙이 있잖아요. 반면, 들판은 무엇을 하든 자유롭습니다. 이것은 건축론집 '들판과 유원지'(아오키 아츠시)에도 나와 있습니다. 많은 사람들이 모이는 곳이라면 새로운 것을 창조하는 장소로 만드는 것이 훨씬 더 재미있어요. 규칙은 스스로 만들면 됩니다. 왜냐하면 애초에 연기자와 관객이 있으면 그 장소는 어디든 극장이 되니까요.
그리고 그런 원초적인 장소이기에, 제3의 장소보다 더 나아가 누구나 기분 좋게 교류할 수 있는 장소로서 '극장'이 제4의 장소, 포스플레이스가 되었으면 좋겠다고 생각합니다.
- 극장이라고 해도 다양하네요.
여러분은 극장이나 이벤트 공간을 만들 때 어떤 것을 의식하고 있나요?
오너나 지역 주민들이 진정으로 원하는 극장과 공간을 만드는 것은 물론이고, 무대 뒤에서 공연자가 무대에 담은 메시지를 한 명이라도 더 많은 관객에게 전달할 수 있도록 지원하고 싶어요. 이를 위해 환경을 조성하는 것이 우리의 일이라고 생각합니다.
극장이나 장소보다는 아티스트만 기억에 남는 것이 이상적이라고 생각합니다. 정교한 조명 계획으로 만들어졌다고 해도 그것은 아티스트의 매력을 최대한 끌어내기 위한 조명일 뿐, 조명 자체는 의식에 남지 않아도 괜찮다. 감동적인 장면을 보고 나면 그 경험 외의 모든 것을 잊고 돌아가는 것이 가장 좋은 것 같아요.
극장이나 문화시설을 짓고 나면 어떤 사람들이 왔으면 좋겠고, 그곳에서 누구를 만날 수 있을까. 모든 것을 통제할 수는 없지만, 이벤트나 문화사업 프로듀싱을 통해 그것들을 조율하는 것도 우리의 일이라고 생각합니다.
씨어터 워크숍에서 운영을 맡고 있는 시설에는 극장뿐만 아니라 아무것도 없는 평지의 홀 공간이나 야외 광장도 있습니다. 어떤 장소든 이용하는 사람들이 원하는 것을 실현할 수 있는 장소인가? 라는 것을 생각하는 것이 중요하죠. 搬入(반입)이나 뒷마당의 사용 편의성 등을 포함해 사용자의 표현의 용이성을 추구하고 있네요.
일상 속에 '극장'을
- 극장과 무대를 통해 인생이 바뀌었나요?
그것이 지금의 일로 이어진 것일까요?
제가 이 회사를 만들게 된 가장 큰 계기는 제가 다녔던 초등학교에서 다 같이 연극 작품을 만드는 수업이었습니다. 그것이 계기가 되어 연극을 좋아하게 되었고, 대학에서 건축학과에 진학했을 때 연극과 건축이 만나는 곳이 극장이라 평생 극장과 관련된 일을 하고 싶다고 생각했습니다. 다만, 소위 건축물로써의 '극장'뿐만 아니라 저 자신이 아트 매니지먼트 분야도 공부하고 있었기 때문에 표현자와 관객이 있는 곳이라면 어디든 극장이 될 수 있다는 생각으로 이어진 것 같아요.
중학생 때부터 대학 졸업 때까지 색소폰 연주자로 무대에 서기도 했어요. 그때 본 무대를 뒤에서 지원하는 사람들의 모습에 매료되어 지금은 공연장 시설 관리자로서 행사 뒷바라지하는 일을 하고 있습니다. 이벤트나 엔터테인먼트 등에서 얻은 경험이 인생에 필요한지 여부는 그 사람에 따라 다르겠지만, 한 사람이라도 더 많은 사람이 공감할 수 있다면 그것만으로도 기쁠 것 같습니다.
저는 연극을 통해 만남의 폭이 넓어졌어요. 동세대뿐만 아니라 베테랑들과 이야기를 나눌 수 있는 경험을 할 수 있었어요. 연극 워크숍에서 기획한 즉흥연극 워크숍에서도 평소에는 교류하지 않을 것 같은 20대부터 70대, 80대 분들이 즉흥연극을 통해 같은 세계를 연기하기도 했습니다.
그런 사람과 사람의 새로운 관계를 맺을 수 있는 장을 사업으로 만들어 가고 싶어요.
이야기를 들으면서 지금 이 일을 하지 않았다면 무엇을 하고 있을까 생각해 봤는데, 떠오르지 않네요.... 저도 학창 시절에는 뮤지컬에서 연기를 하거나 무대 뒤에서 일을 했어요. 그때 무대에 서는 사람들을 연극을 만드는 형태로 지원하는 일을 하고 싶다는 생각을 했어요.
문화 예술로 마음이 풍요로운 사회를 형성한다는 명제는 항상 근본에 깔려 있고, 그것을 어떻게 실현해 나갈 것인가가 미션이라고 생각합니다.
요즘은 굳이 일을 생각하지 않는 시간을 만들기도 하지만, 저는 '취미가 무대 조명입니다'라고 말할 정도로 평소에도 조명과 아티스트를 생각하며 살아왔어요(웃음). 해외 분들과도 많은 작업을 했고, 사람들과 만날 수 있는 자극적인 일상이 즐겁습니다. 이번 코로나 사태를 겪으면서 역시 극장이나 이벤트 공간 같은 곳에서 직접 사람을 만나면서 얻을 수 있는 가치가 있고, 그 장소를 소중히 여겨야 한다는 것을 뼈저리게 느꼈어요.
일상 생활이 연출된 연극보다 훨씬 더 드라마틱한 것 같아요. 그럼에도 불구하고 '극장'에 오는 이유는 역시 비일상을 맛보고 싶기 때문인 것 같아요. 자신의 삶에서 일어날 수 없는 일을 연극이나 콘텐츠를 통해 경험하고, 사람은 감동을 받습니다. 유사 체험적인 것이라도 실제로 눈앞에서 접하거나 어떤 촉감이나 감촉을 느낄 수 있으면 더 현실에 가깝게 다가갈 수 있기 때문에 그 요소는 매우 중요하다고 생각해요.
극장에서 체험할 수 있는 것의 재미를 많은 분들에게 전하고 싶어요. 사람과 사람이 만나서 무언가를 얻을 수 있는 장소=극장이 누군가에게는 안전망이 될 수도 있다고 저는 생각합니다.
계승한다는 것
- 여기 계신 여러분은 직업뿐만 아니라 나이도 제각각입니다.
일과 관련하여 시대에 따라 '변하는 것'과 '변하지 않는 것'이 있나요?
조명으로 말하면, 최근에는 LED 전구 등 새로운 기술이 무대에도 도입되고 있습니다. 변하지 말아야 할 것을 지키는 것도 중요하지만, 더 나아지는 것이라면 베테랑이 제동을 걸어서는 안 된다고 생각합니다. 저는 후배들에게 힘을 실어줄 수 있는 존재가 되고 싶어요.
다만, 예전보다 기술이 발전했지만, 예를 들어 페이드아웃(조명의 광량을 조금씩 낮추는 기술)을 할 때 기존 전구와 차이가 확연하게 드러납니다. 기존 전구는 '푹'하고 서서히 꺼지는데, LED는 '팍'하고 갑자기 꺼져버려서 여운이 다르죠. 그 점이 과제로 느껴집니다.
알겠습니다. LED는 어쨌든 밝고 빛이 강해서 미디어 발표회 등에서 사용하는 경우가 많지만, 깊이를 주고 싶은 연극에서는 아직 따라잡지 못하고 있습니다. 색온도를 조절할 수 있는 LED도 나오고 있으니 앞으로는 진화하지 않을까요.
해마다 비용도 오르고 있기 때문에 언제까지 백열전구를 고집할 수는 없죠(웃음).
그런 것을 피부로 느낄 수 있는 것은 경험이 있기 때문이죠. 그리고 극장 워크숍의 어떤 분야도 혼자서 할 수 있는 일이 아니라 팀으로 움직이고 있습니다. 사람을 대하는 방법이나 물건을 만드는 마음가짐은 시대가 바뀌어도 변하지 않는다. 그 원점을 배우려면 역시 경험이 풍부한 베테랑에게 배우는 수밖에 없습니다. 그런 점에서 강인한 선배님들이 계시고, 조금 더 나이가 많은 목표가 될 수 있는 친근한 선배도 있는 연령 구성이 매우 좋다고 생각합니다.
40주년을 맞이하여 앞으로의 목표
- 씨어터 워크숍은 '극장 컨설팅', '무대기술', '문화시설 운영', '문화사업 프로듀스'를 담당하는 4개의 부서로 개편되었다.
이렇게 다양한 연령과 직업을 가진 사람들 사이에서 어떤 마음으로 일을 하고 계신가요?
씨어터 워크숍은 음악 제작사도 아니고, 극단도 아닙니다. 즉, 완제품을 패키지로 판매하는 일이 아니라는 거죠. 극장이나 홀에 맞게 모든 것을 직접 만들고 창의적인 것을 담아내야 합니다. 이것은 어렵다고 느껴지는 일이라도 기꺼이 맡아서 끝까지 해내는 것이 저희입니다.
언제나 주문 제작입니다. 문화사업 프로덕션은 실제로 극장, 홀, 광장까지 모든 이벤트 공간에 오시는 손님들에게 어떤 이벤트를 제공하고, 그것이 그 시설과 지역에 어떤 화학작용을 일으킬 수 있는지를 고민하는 부서입니다. 중-고등학생들이 많이 찾는 장소로 만들고 싶다는 이미지가 있다면, 그 세대를 겨냥한 이벤트를 기획하거나 자유롭게 드나들 수 있는 교류 공간을 포함시키기도 한다. 극장이나 문화시설을 만드는 데 있어 마지막 앱텁트 같은 부분이라 매번 고민하면서 일을 하고 있습니다.
극장 프로듀싱 부문은 극장 워크숍의 원점인 극장 컨설팅 사업을 하는 부문입니다. 문화사업 프로듀싱과는 반대로 조사, 기본 구상, 계획, 설계자 선정 등 프로젝트의 시작부터 관여합니다. 거기에 다른 부서의 목소리를 제대로 담아내는 것이 매우 중요하다고 생각합니다. 아까 말씀드린 LED 조명 이야기도 그렇고, 시설이 실제로 사용되기 시작하면 그 현장에서 느끼는 점이나 발생하는 문제점을 바로 옆에서 듣고 다음 극장 제작에 활용할 수 있다는 점이 강점인 것 같아요.
세상에는 시설을 지어놓고도 사용이 불편하다거나, 결국 시설을 사용하지 않고 방치하는 사례가 적지 않아요. 그래도 그 시설에 대해 잘 알고 있는 스태프가 사용하시는 분에게 세심하게 다가서면, 다음 기획에 사용해 보자, 사용해 보니 편리했다, 이런 식으로 할 수 있을지도 모릅니다. 그런 점에서 당사는 4개 부서에 경험이 풍부한 인력이 상주하고 있고, 서로 교류하면서 그 설비가 왜 있는지, 어떻게 사용하는지까지 파악할 수 있고, 현장의 사용감을 피드백할 수 있습니다. 기본구상부터 건립 후 운영까지 토털 프로덕션이 가능한 구조로 되어 있군요.
극장공작소에 입사하면서 극장이나 이벤트 공간을 만드는 것이 얼마나 어려운 일인지 알게 되었어요. 지금까지는 '출입구가 너무 불편하다! '라고 일을 하면서 불평하는 일이 많았는데요(웃음), 이제는 '어떻게 하면 설계자에게 전달하면 사용하기 편한 출입구를 만들 수 있을까'라는 생각을 하게 되었어요. '라고 생각하게 되었습니다.
연기자와 관객이 있으면 어디든 극장이 될 수 있는 가운데, 더 넓은 시야를 가지고 더 많은 사람들이 볼 수 있도록 더 좋은 극장, 이벤트 공간이란 무엇인가를 항상 고민하고, 시설 자체부터 조명 등 무대 기술을 포함한 하드웨어적인 부분, 운영적인 부분, 그곳에서 일어나는 이벤트 기획까지 토털로 프로듀싱하는 것이 씨어터 워크숍의 역할이고, 앞으로 더 많은 것을 실현해 나가야 합니다.
앞으로도 시어터 워크숍만이 할 수 있는 아이디어를 함께 만들어내고, 발신하고, 실현할 수 있으면 좋겠습니다.
사진 왼쪽부터
테크니컬 프로덕션 부문 조명 치프 엔도 키요토시 키요토시
특히 콘서트 조명 기술에 오랫동안 종사해오다 2021년에 입사. 극장 워크숍 기획의 문화 사업을 포함하여 전국의 이벤트에 기술적으로 참여하는 한편, 극장 컨설팅 시 장비 제안과 국내외 극장 스태프에게 장비 사용법을 강의하는 일도 하고 있다.
대표이사 이토 마사시
와세다대학 및 동 대학원에서 극장 및 홀에 대해 연구하고 재학 중 문화청(가칭) 제2국립극장 설립 준비실 비상근 조사관으로 활동했으며, 1983년 시어터 워크숍을 설립하여 일본 최초로 극장 컨설턴트를 직능으로 확립했다. >상세보기
극장 프로듀스 부문 치프 후루카와 마야
학창시절에는 뮤지컬부에 소속되어 무대를 만들고 연기하는 것을 경험했다. 극장과 관련된 일을 희망하여 대학과 대학원에서 건축계획을 공부하고 2016년에 입사. 현재는 전국의 극장 컨설팅 안건 중 시설 분야를 담당하고 있다.
사업 프로듀스 부문 하세가와 코다이 하세가와
대학에서 아트 매니지먼트 분야를 폭넓게 공부하고, 자신도 즉흥극 등을 지금도 계속 만들고 있다. 문화진흥재단의 사업 담당을 거쳐 2021년 입사. 전국적인 문화사업의 기획 및 실시 외에도 극장 컨설팅의 운영 등 소프트 부분도 부문을 넘나들며 담당하고 있다.
운영 프로듀스 부문 매니저 나카무라 료
학창시절 색소폰을 전공하고 연주자로도 활동. 영상 어시스턴트 디렉터를 거쳐 2015년 입사. 시설 운영 현장에서 다양한 이벤트를 담당했으며, 현재는 시부야 지역의 여러 시설에서 운영 관리, 영업 시책 실시 등을 담당하고 있다.